"V de Vendetta" (V for Vendetta")

Dirección: James McTeigue
Guión: Larry Wachowski, Andy Wachowski
Elenco: Hugo Weaving, Natalie Portman, Stephen Rea, John Hurt, Roger Allam, Sinead Cusack

Basada en un comic que se popularizó en Estados Unidos en la década de los 80, esta película trae un giro radicalmente anti-cristiano que no se encontraba en la versión original de la historieta de Alan Moore. El mensaje abiertamente anti-cristiano sorprende incluso en el caso de los hermanos Wachowski -creadores de "Matrix", uno de los cuales está pasando por un proceso de transformación de sexo para convertirse en "mujer". La historia de Vendetta tiene lugar en Inglaterra, tras una devastadora guerra que cambió por completo al planeta y que entronizó una dictadura cristiana -sí, en Inglaterra- que persigue brutalmente a todos los que se oponen a ella: admiradores del Islam, una pareja de lesbianas... Así en una película de intensa acción, bastante bien ejecutada en términos de ritmo y efectos especiales, los Wachowski no han podido resistir la tentación de introducir una grosera propaganda anti-cristiana y pro-homosexual que le ha dado a hollywood su merecida fama de ser cada vez más anti-familia. No es de sorprender que Moore no haya querido ser incluido en los créditos del guión.

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Llega la superproducción "V de venganza"

Hollywood, entre la polémica y la política

El estudio Warner Bros. eligió al reciente Festival de Berlín como plataforma de lanzamiento internacional de "V de venganza", la superproducción basada en la contestataria historieta que crearon los británicos Alan Moore y David Lloyd a mediados de la década de 1980, en pleno gobierno de Margaret Thatcher.

Hasta la gélida ciudad alemana llegaron el director del film, James McTeigue; su poderoso productor, Joel Silver, y sus cuatro protagonistas, Hugo Weaving (que interpreta al enmascarado y misterioso héroe V), la bella Natalie Portman, John Hurt y Stephen Rea.

Fieles a su fobia mediática, no estuvieron presentes los verdaderos ideólogos del proyecto: los hermanos Larry y Andy Wachowsky (responsables de la trilogía de "Matrix"), quienes escribieron el guión, supervisaron con Silver el proyecto e impusieron a McTeigue -su habitual asistente de dirección- como realizador, y a Weaving (el malvado de "Matrix") como héroe terrorista, solitario y vengador que lucha por la libertad contra un régimen totalitario.

El film y el cómic original ya llegaron a Berlín, precedidos de una enorme controversia. El estreno original, previsto para noviembre último, debió ser retrasado varios meses tras los ataques contra la red de transporte de Londres, que provocaron 52 víctimas, ya que "V de venganza" incluye -entre sus múltiples escenas provocativas- un atentado terrorista en el subte con el objetivo de hacer volar por los aires el mismísimo Parlamento británico.

Concebida originalmente como una típica historieta sobre una guerrilla urbana que desafiaba a una dictadura fascista, la historieta se resignificó tras la asunción de Margaret Thatcher y se convirtió en un objeto de culto para los opositores de la primera ministra conservadora.

Con George Orwell, Thomas Pynchon y Aldous Huxley como referentes literarios, y la figura de Guy Fawkes, un revolucionario que trató de destruir el Parlamento en 1605 como principal inspiración, Moore y Lloyd construyeron una de las cumbres de la historieta moderna. Los Wachowsky, por supuesto, acentuaron elementos tan actuales como el bioterrorismo, diseñaron una sofisticada estética retrofuturista y le agregaron sus inevitables disquisiciones seudofilosóficas ya vistas en "Matrix".

Así, aquella historieta que, según sus creadores, siempre defendió la premisa del "derecho del individuo a resistir cualquier sistema opresivo que lo lleve por la fuerza al conformismo", se convirtió en una de las películas más discutidas de los últimos tiempos para los medios e intelectuales norteamericanos y europeos, especialmente por sus reminiscencias después de los atentados del 11 de septiembre de 2001.

El siempre progresista semanario neoyorquino Village Voice le dedicó su tapa y varios estudios al que define como "el primer blockbuster anarquista que encarna la contradiccion esencial de la cultura de masas capitalista al gastar al menos 70 millones de dólres (incluidos los costos de promoción) en una celebración de la insurrección y del terrorismo". Los textos incluyen desde referencias a las Brigadas Rojas italianas hasta paralelismos con el reality "Gran Hermano" y critican su puesta en escena pedestre y su incoherencia, aunque dan cuenta de su capacidad para convertir en nuevas a las más viejas mitologías.

Semejante controversia periodística -y el apoyo irrestricto de los miles de fanáticos de la saga de "Matrix- tuvieron un rédito comercial automático: el film recaudó 46,2 millones de dólares en apenas 10 días en cartel en los cines norteamericanos.

Preguntas sin respuestas

Durante la conferencia de prensa en Berlín, Joel Silver ("Arma mortal", "Duro de matar", "Matrix") salió al cruce de los cuestionamientos y aseguró: "Es la historia más contundente y apropiada para ser discutida en medio de las contradicciones y miserias del mundo contemporáneo". Y agregó: "Yo he producido muchas películas de acción tontas, y estoy muy orgullosa de ellas, pero éste es el tipo de películas que me importan, que pueden funcionar en dos niveles: como mirada cuestionadora y, para aquellos a los que no les interese lo político, simplemente como una buena historia con explosiones, efectos visuales y luchas con cuchillos".

Con respecto a su debut en la dirección y a su relación con los hermanos Wachowsky, el australiano McTeigue indicó: "Cuando hicimos juntas «Matrix: Recargado» y «Matrix: Revoluciones» filmamos durante 270 días seguidos. Si uno no aprende con semejante entrenamiento, con una trilogía tan influyente y popular que dejó ganancias por 3000 millones de dólares, significa que es un incapaz. Mi relación con Larry y Andy fue excelente; no se metieron nunca, pero a la vez estaban siempre disponibles para cualquier consulta. Ellos fueron geniales como guionistas y productores del proyecto, pero yo tuve todas las decisiones artísticas en el set".

Finalmente, la israelí Portman -que debió raparse en una de las escenas del film- aseguró: "La novela gráfica de Moore y Lewis nos facilitó mucho las cosas porque eran como un perfecto storyboard de la película y nos permitió tener una idea del clima y el tono del film incluso antes de llegar al set. En el terreno político es muy provocativa porque plantea dilemas morales de muy difícil resolución ¿El terrorismo es válido si tiene motivaciones correctas? ¿Hubiese estado bien volar el cuartel de Hitler para evitar el genocidio nazi? Seguramente se lo hubiese considerado un acto heroico. Esos interrogantes son los que plantea una producción que es juvenil y adulta a la vez. Hollywood tiene la obligación de generar entretenimientos masivos que a la vez sean inteligentes e inquietantes".

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EL ARTE TUCUMANO

El cine se anima
Mundos personales puestos de manifiesto por personajes de animación. Los artistas tucumanos señalan que los “dibujos animados” no tienen límites, salvo la propia imaginación del creador.

Animar la imagen tiene mucho de magia
El cine de animación tiene sus cultores en Tucumán. Utilizando técnicas artesanales o tecnología digital, los personajes de las historias revelan mundos personales, en los que las imágenes adquieren vida, como por arte de magia. Los artistas señalan que el cine de animación no tiene límites, salvo la propia imaginación.
El 12 de abril, en la sala Hynes O’ Connor, se expondrá una muestra con los filmes de realizadores tucumanos. Encuentro en Rosario.

Según Bernardo Vides, para este tipo de arte no existen los límites
Hace más de 20 años que trabaja profesionalmente, pero no termina de admirarse del cine de animación. “Dibujos para oir; música para ver”, define Bernardo Vides Almonacid, cuando LA GACETA le pide que arriesgue una definición sobre el género.
Pero lo más importante de todo, tal vez, sea cuando sostiene que el cine de animación “no tiene límites”. “La única frontera es la imaginación de cada uno. Es un arte que te permite delirar con lo que quieras”. Así, por ejemplo, en su trabajo “La cumparsita”, las líneas pueden construir, simulando, una pareja que baila; y de repente, un bandoneón, puede convertirse en el Obelisco: “todo se transforma permanentemente, y se va pasando de una imagen a otra, sea abstracta o figurativa, eso no importa mucho”, relató.
A la hora de hablar de su propia obra, el creador resume: “son manchas con vida; ritmo visual; pintura con movimiento”. Fundador del taller de historieta y de animación que funciona en la Escuela de Bellas Artes, Vides Almonacid contó que, todavía, realiza un trabajo artesanal. “Con lavandina lavo el acetato de la película y sobre ella voy dibujando.Pero lo primero es escuchar la música; allí comienzan los bocetos en un placa de 6 x 8 mm”, describió. Una obra como “La cumparsita” tiene 5.000 dibujos.
“Chacalambo”, “Malambito” “La primavera”, “Norte”, “Taquiña” y “Temblor en el horizonte”, son algunos de sus numerosos trabajos.
“Cuando los jóvenes descubren que con la animación se puede delirar con los límites de la lógica, se entusiasman mucho. Porque hasta lo absurdo se convierto en lógico. Se puede hacer que unas gotas caigan de abajo para arriba, por ejemplo... no hay límites realmente en este arte”, reflexionó finalmente.

Con sus videos animados, “Jota” busca transmitir sensaciones visuales
Juan José López, “Jota”, tiene 28 años, pero ya obtuvo un premio nacional en el BAFICI 2005 (Festival Nacional de Videoclips), por el video que le hizo a la banda Fraktal. Y no le ganó a cualquiera: en ese festival participaron videos de Las Pelotas, Daniel Melero y Miranda!.
“Chickens and Worms” (“Pollos y gusanos”) y “Tree” (“Arbol”) -fotos- tratan sobre los conflictos de la comunicación entre las personas, o mejor dicho, de la incomunicación, según interpretó el realizador. Y para otro músico, Adrián Llovera, hizo un clip, trabajando con imágenes del artista ruso Kandinsky, en base a las canciones llamadas “Cuadros”. “Tomo una idea o un concepto y lo transformo en algo, en un conjunto de imágenes; lo que busco transmitir son sensaciones visuales, por eso hay mucho de introspección. En este trabajo, lo que más interesa es el proceso del armado, más que el resultado”, le confió a LA GACETA.
Quien empezó siendo un diseñador gráfico, también trabaja habitualmente en el mundo de la publicidad, y muchos de sus productos pueden verse en la televisión; como el cirujita que sirve de presentación en un programa dedicado al club San Martín, que transmite CCC. “Jota” confiesa que es “un enfermo de la computación”, pero aclaró que no hace arte: “solamente intento comunicar ideas estéticamente, nada más”, admite.
“¿ Y cómo trabajás en la PC?”, se le preguntó. “Mirá, la gente debe creer que tengo todo, pero únicamente poseo una máquina de fotografías. No tengo cámaras de video, pero al insertar los registros, les doy movimiento, y voy construyendo los escenarios, y parece una filmación. Es un desafío armar sin medios caros, y que parezcan obras hechas con medios de tecnología de punta”, sostuvo.
“Jota” reitera que el proceso en la computadora es lo que más le entusiasma: “es la lucha en lograr lo que uno quiere, a veces incorporando elementos de 3D en una foto, y que se integre del modo más realista”, ejemplificó.
Federico Fariña, primera guitarra de Fraktal, recordó que en “Chickens and Worms”, todo está absolutamente hecho de retazos de diario. “Todo está creado en la computadora”, concluyó.

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Los mutantes regresan a las salas con nuevos poderes
La tercera parte de la saga basada en la exitosa historieta de Marvel promete efectos especiales nunca antes vistos.
Los fans que tuvieron la posibilidad de ver el trailer de “X-Men 3” seguramente quedaron apabullados. Es que la nueva película de la saga basada en la exitosa historieta de Marvel, no sólo contiene acción sin límites, sino unos efectos especiales de última generación que permiten mostrar a los más extraordinarios mutantes como si fueran los vecinos de la esquina.
El trailer se puede ver en alta definición en la web oficial de la película, en x3movie.com. Las imágenes muestran a los personajes más conocidos de la saga así como a los nuevos mutantes que se suman a la historia, que dirige Brett Ratner tras el abandono de Bryan Singer, director de las dos películas anteriores.
El gran reparto de la obra incluye a estrellas ya consagradas de Hollywood como Hugh Jackman, Patrick Stewart, Ian McKellen, Famke Janssen, Halle Berry, James Marsden, Anna Paquin y Rebecca Romijn-Stamos, entre otros.
Según declaraciones de Tom Rothman, presidente de los estudios 20th Century Fox, “X-Men: The Last Stand” (aún no tiene título en español) sería el último filme de los hombres mutantes.
A la mayoría de los fans la noticia les cayó como un balde de agua fría. Aunque, para compensar, Rothman confirmó inmediatamente que personajes como Magneto y Lobezno, tendrán sus propias aventuras en breve. El lema elegido para la promoción de esta película es “take a stand” (Toma una posición), en referencia a la gran batalla final que se desatará entre ambos bandos de mutantes. Por un lado los X-Men conducidos por el profesor Xavier; y por otro, el grupo de villanos que responde a las órdenes de Magneto, a cargo otra vez de Ian McKellen, ya alejado de su legendario papel de Gandalf en “El señor de los anillos”.

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Superman vuelve a surcar los cielos

JOSÉ ABAD

Una de las películas más esperadas del año es, sin duda, Superman Returns, que recupera para el cine al famoso superhéroe de la mano de Bryan Singer, que ha demostrado una notable sensibilidad a la hora de orquestar otros espectáculos similares (X-Men). El filme, protagonizado por el casi desconocido Brandon Routh, Sam Huntington y Parker Posey, se estrenará el 12 de julio.
Superman, uno de los iconos más populares de la cultura de masas, nació en un tiempo necesitado de héroes, durante la Gran Depresión, en una sociedad que creía y sigue creyendo en ellos, los Estados Unidos de América. En medio de la carestía general lo único que podía derrocharse era imaginación, y así se hizo. Jerry Siegel lo ideó en 1931 y, en colaboración con un dibujante amigo suyo, Joe Shuster, le dio un primer aliento vital en The Ring of Superman, publicada en 1933, aunque en aquella historieta el superhombre era el resultado de los experimentos de un científico loco. Al año siguiente, Siegel & Shuster decidieron rediseñar el personaje para convertirlo en un paladín con poderes sobrehumanos venido de otro planeta. Sorprendentemente, no hallaron ningún editor hasta cuatro años más tarde.

En junio de 1938, en las entrañas de la revista Action Comics, Superman vio la luz tal cual lo conocemos. O casi: en su primera aventura lo vemos dando saltos de 200 metros y corriendo por los cables del tendido eléctrico, pero el del vuelo no se cuenta todavía entre sus atributos. El éxito fue inmediato. En 1939 tenía su propia publicación y en 1940 ya vendía 1.400.000 ejemplares al mes. Desde entonces, sus hazañas han cambiado de trovadores y artistas adaptándose a las nuevas tendencias, pero no han dejado de publicarse.

Mucho se ha escrito sobre el significado del personaje. Superman se ha comparado, sin salir del ámbito judeocristiano, con héroes bíblicos como Moisés, Sansón o Jesucristo. En Máscaras de la ficción, Román Gubern escribe: "Superman es una figura crística, un dios hecho hombre, que anda entre los hombres en forma mortal, para cumplir su misión redentora en la Tierra" (p. 288). Que está hecho de la misma materia etérea de los ángeles viene a confirmarlo el hecho de que en la inefable España franquista, entre 1964 y 1971, por orden inapelable del Ministerio de Información y Turismo, se prohibiera la difusión de sus tebeos y los de otros de su condición porque los españolitos de entonces, desavisados y frágiles, podían confundirlos con criaturas celestiales y liar la de Dios Padre. Antes, y en la Alemania hitleriana, Goebbels lo acusó de ser judío. También en la Italia fascista fue censurado; no es extraño, durante la II Guerra Mundial, Superman tuvo entre el número de sus enemigos a la bestia nazi y a la canalla nipona, los insignes aliados de Mussolini.

El cine había participado en su génesis ofreciendo unos primeros modelos ideales: el físico del superhéroe se inspiraba en el de Douglas Fairbanks y en su nombre de humilde ciudadano, Clark Kent, se rendía tributo a los actores Clark Gable y Kent Taylor, muy populares en los 30. El cine participó asimismo de la evangelización del mundo, aunque relegó sus exégesis al universo renqueante de los seriales de bajo presupuesto, según los gerifaltes de antaño, el formato adecuado para el tebeo.

Hollywood puso en marcha sendos seriales dedicados al personaje, en 1948 y en 1950, para desterrarlo luego a la televisión. Hasta Superman (1978), el hombre de Krypton no pudo presentarse en la gran pantalla con los medios necesarios para hacer posible y creíble lo imposible e increíble. El director Richard Donner puso en pie un espectáculo sólido y atractivo que llevaba su propuesta al ámbito bienintencionado del cómic original, logrando acercar el personaje al espectador que no es lector de tebeos. La película se beneficiaba de un ingenioso libreto de Mario Puzo en el que también metieron baza David y Leslie Newman y Robert Benton, y de unos intérpretes magníficos, empezando por el malogrado Christopher Reeve, capaz de incorporar al atribulado Clark y al aguerrido superhombre con una mímica mínima, esencial; debemos mencionar a Gene Hackman, por supuesto, el mejor Lex Luthor imaginable.

Richard Donner inició asimismo la inmediata continuación, Superman II (1980), pero sus encontronazos con los productores Alexander e Ilya Salkind, que exigían darle al producto un toque humorístico, lo retiraron del rodaje a mitad de singladura para poner al timón a Richard Lester, que introdujo esa dócil irreverencia tan suya. Se ha discutido mucho sobre la cantidad de material que rodó uno y otro; se dice que la mayor parte del metraje que vemos en la pantalla corresponde en realidad a Donner.

Lo cierto es que, sea mucho o poco, lo que añadió Lester al conjunto fue suficiente para introducir una nota caricaturesca que, sin llegar a la parodia, desmonta la pleitesía. La intención es saludable: se trata de ironizar a costa de Superman para humanizarlo de manera más decidida que en el filme anterior. El guión, que no carece de ocurrencias (v. b., Superman rechaza sus superpoderes para irse a la cama con Lois Lane), no tiene tanta chispa. Su atipicidad llevó a más de uno a presentar esta segunda parte como infinitamente superior a la primera. Para el gusto de muchos admiradores del personaje, una apreciación harto exagerada.

Lester se hizo cargo de la sucesiva entrega, Superman III (1983), en la que el infantilismo estaba ya plenamente asumido. Es mucho peor película que las anteriores, se la coja por donde se la coja, a pesar de contar con alguna osadía con posibilidades, como la de convertir, en un momento dado, al inmaculado caballero rojiazul en un tipo desaconsejable, mugriento y bravucón, cuya interés por las hembras no nace de que éstas estén en peligro… Para colmo, la refinada ironía de Gene Hackman se sustituyó por el humor barriobajero de Richard Pryor y la falsa elegancia de Robert Vaugh. Los años 80 aún verían un Superman IV (1987), realizada por Sydney J. Furie, un bodrio piadosamente olvidado por todos. El éxito de Batman y sus secuelas, en los 90, puso en las manos de Tim Burton un proyecto con Superman como protagonista, al que incorporaría Nicolas Cage. Sin embargo, el filme naufragó en la fase de preproducción sin que se haya dado una explicación satisfactoria del porqué del abandono; Burton era entonces, desde luego, el cineasta más capacitado para renovar el personaje.

En Superman Returns, en su intento de evitar la destrucción del planeta, Superman se embarca en un viaje hacia la redención que lo lleva desde las profundidades del océano al espacio exterior. Esta entrega, como ya ocurriera con las renovadas aventuras del hombre murciélago hace un año, ha decidido hacer borrón y cuenta nueva. Un gesto necesario, quizás inevitable. Los fans esperan con expectación el regreso del hombre de acero.

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Patoruzito se prepara

Terminan el segundo film del personaje y una serie de TV

En las dos amplias plantas que posee la Compañía de Animación Indiecito, en la localidad de Martínez, la actividad es febril. En la planta baja, sin pausa, apenas con sus auriculares conectados a reproductores de CD o MP3 portátiles, que les brindan alguna melodía con la que consiguen escaparle a la ansiedad, una centena de dibujantes preparan, en grafito sobre papel, a los personajes que creó Dante Quinterno cincuenta años atrás, para lanzarlos hacia la tecnología de animación del siglo XXI.

En la planta alta se produce esta segunda parte del proceso. Las figuras de la troupe, que acompañan desde su época de historieta al pequeño gran cacique tehuelche, descendiente de Patoruzek I, cambian su vida en papel a la existencia en mapas de bits digitales que exigen las actuales condiciones tecnológicas. Gracias a esta metamorfosis, sus cuerpos adquieren color, aparecen los escenarios en que actuarán en las situaciones que les marca el guión y, sobre todo, conseguirán generar en la pantalla la ilusión de aventuras que disfrutarán miles de chicos en nuestro país y, ahora también, en casi todo el mundo.

"Tenemos que tener terminada la totalidad de la animación de la película para la primera semana de abril. Después seguimos trabajando a toda máquina para la serie de episodios de 10 minutos que llegará, a través de Cartoon Network, a gran parte del mundo, a partir del 15 de mayo", explica Alberto Grisolia, director de animación de "Patoruzito 2. La gran aventura", para explicar el ritmo frenético con el que se trabaja en el lugar.

La película es el largometraje de 80 minutos de duración que continuará la versión que el último año consiguió el récord histórico en nuestro cine de haber convocado cerca de 2.500.000 espectadores a las salas de exhibición. La serie es fruto de un convenio con la cadena de televisión infantil que llevará las aventuras de Patoruzito que aquí conocimos en revistas de historietas a lugares tan alejados como la India, primero en entregas de 10 minutos que luego se extenderán a episodios de casi media hora.

Según sostiene Jorge "Corcho" Rodríguez, uno de los productores asociados, desde hace un año y medio, un plantel de trabajo de unas 350 personas en relación de dependencia trabajan en la compañía de animación para concretar estos proyectos. Junto con el responsable de la productora Red Lojo participa de la iniciativa Carlos Mentasti y están asociados a ella Telefé, Cartoon Network y Warner Bros. Pictures, que se encargará de la distribución del film.

"La primera etapa en una película de este tipo es realizar lo que se conoce como story line y grabar las voces y el sonido", explica el director del largometraje, José Luis Massa, que también dirigió la anterior "Patoruzito". El story line no es otra cosa que llevar a imágenes dibujadas, como si fueran una historieta, las situaciones tal cual las presenta el guión, en este caso, escrito por Axel Nacher. En la grabación de las voces, para esta nueva película se contó con el trabajo de dos figuras muy conocidas, como son Norma Aleandro, quien interpretó a una malvada bruja, y Julián Weich, que dijo los párrafos de otro personaje vinculado a lo sobrenatural, pero muy conocido, aunque sea de nombre, por estas tierras: el fantasma Benito.

Luego de estas etapas iniciales, se pone en marcha un trabajo en equipo complejo, análogo al que se realiza en una película con actores, con la diferencia de que en lugar de que éstos pongan el cuerpo, son las manos de los artistas quienes dotan a los personajes de movimientos y expresión. En la etapa de la animación, por ejemplo, la tarea de los especialistas que la realizan es conseguir que con dibujos sucesivos se cree la ilusión de los gestos y las actitudes con que los personajes expresan las emociones que sienten. En otra etapa, que técnicamente se conoce como layout, la tarea del dibujante es análoga a la de un camarógrafo que toma el plano según indicaciones del director. Lo bueno es que en pantalla estas diferencias no se notan.

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Presentan la película de dibujos animados "Patoruzito II"

TELAM

Buenos Aires, 31 de marzo.- El director José Luis Massa y su equipo presentaron a la prensa las tareas de diseño y producción de "Patoruzito 2: La gran aventura", el dibujo animado argentino que con producción de Carlos L. Mentasti y Jorge "Corcho" Rodríguez, titular de RedLojo, ocupará la atención de los chicos en las próximas vacaciones de invierno.

Fue en los estudios de la localidad bonaerense de Martínez, en las instalaciones de Red Lojo, donde unas 80 personas, entre dibujantes tradicionales -a lápiz y tinta- y transcriptores informáticos están recreando las nuevas aventuras del indiecito tehuelche, que se prolongarán luego en episodios de diez minutos para la señal internacional Cartoon Network.

Con guión de Axel Nacher, canciones originales de Eduardo Frigerio y música de Gerardo Gardelín, "Patoruzito 2", que ya tiene distribución asegurada en España, Brasil y México, cuenta con Norma Aleandro y Julián Weich como voces notables entre el copioso elenco.

Mazza, quien dirigió la "Patoruzito" original, fue el responsable asimismo de "Chiquititas, rincón de luz" y "Un hijo genial", con Weich de protagónico, uno de los estrenos más vistos de 2003. Acompañado por el director de producción Luis Palomares, el de pre-producción Víctor Leali y el de "layout" Carlos Pérez Aguero, Massa confió a Télam el alto profesionalismo alcanzado por la animación argentina, con raíces artesanales como ya en desuso en los Estados Unidos.

"Entre los dibujantes tenemos glorias que trabajaron junto a Dante Quinterno (el creador de Patoruzú y toda la saga) y gente muy joven que va aprendiendo e incorporando el estilo del dibujo y el espíritu de la historieta original", señaló.

Lo curioso para quien desconoce los procedimientos de la animación actual es la ausencia de cámara cinematográfica, por lo que no puede hablarse de filmación ni de rodaje: los dibujos se "escanean", ingresan al sistema informático y sólo acceden al celuloide cuando se tiran las copias destinadas a los cines.

Previamente hay pasos -"peinado" de dibujos, coloración, objetos en 3D, colocación de fontos- detalladamente explicados por Massa y con demostraciones por parte de sus técnicos-artesanos ante ojos incrédulos y admirados.

Tras el exitoso debut en 2004 del pequeño gran cacique, que llevó 2.500.000 espectadores a las salas nacionales, sin contar su explotación en el exterior ni las formas hogareñas de haberla apreciado, era de lógico lanzamiento una secuela espectacular.

En su nueva incursión, que promete sacudir la taquilla en las próximas vacaciones de invierno, Patoruzito llega a la ciudad para participar de un gran desfile patrio como representante del pueblo Tehuelche.

En Buenos Aires se encontrará con la malvada bruja Jiuma (Aleandro) y su deseo de convertirse en la hechicera más poderosa del mundo, aunque junto a su amigo Isidorito también tendrá de aliado al Fantasma Benito, de larga fama popular.

De ese modo, Patoruzito, siempre al trote sobre su caballo Pamperito, deberá enfrentar a la temible hechicera -que por lo visto en el trailer ofrecido se parece a la Cruela DeVille de "La noche de las narices frías"-, liberar al hada Limay y lograr que el bien triunfe sobre el mal.

El rotundo éxito de "Patoruzito" impulsó la creación de Indiecito Compañía de Animación en mayo de 2005, en acuerdo con Los Tehuelches, licenciatarios de los personajes de Dante Quinterno, en tanto "Patoruzito 2: La gran aventura" tiene como coproductores a Telefé y Cartoon Network, y será distribuida por Warner Bros.

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Santiago Caruso

Informe preparado por César Da Col

"Dibujo desde ese tiempo que uno no recuerda. Hoy, después de estudiar a los maestros, entiendo que quizás no solo es contar una historia, sino también es inventar un símbolo que hable, es generar un clima, un golpe de luz; no ser tan anecdótico y buscar una síntesis en imagen de una sensación o idea."

Santiago Caruso nació el 9 de abril de 1982 en Quilmes —una localidad del Gran Buenos Aires, Argentina—, aunque aclara: "Me hubiera gustado más decir un 9 de abril de 1819 o 1235 o 4000 antes de Cristo. Me intrigan mucho esos tiempos, esos hombres comprometidos con la vida, con el arte, con el espíritu, de un modo más profundo; viviendo a otra velocidad, pudiendo detenerse a apreciar eso que otros, hoy y ayer, siguen sin ver."

Es miembro de la Asociación de Dibujantes de la Argentina (ADA), donde recientemente publicó con otros colegas un libro colectivo de ilustraciones y bocetos, titulado Grafías (publicación que se adquiere en casi todas las comiquerías de Buenos Aires, y en el Museo de la Caricatura Severo Vaccaro).

Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes "Carlos Morel", y estudió Historieta con el "sensei" Oscar Capristo. Además, concurrió algunos meses a las clases de Ilustración de Ariel Olivetti: "Estudié historieta con Oscar Capristo (el Sensei) en el ´97, de a pedacitos, porque era muy pibe y no tenía cómo pagar la cuota. Así, tres meses durante el primer año y algunos más al año siguiente, fui adentrándome en el cómo contar lo que quería. Empecé a manejar el tema de los ángulos de cámara, el desarrollo del ‘elenco’, la composición de la viñeta y la página, pero siempre me costó mucho esfuerzo realizar una historieta. Tardaba mucho. En largas conversaciones con Jeremías Janikow, desarrollábamos la historia. Luego yo escribía el guión, lo dividía en cuadritos y armaba las páginas. Todo este proceso, sumado a mi poca experiencia y mi gran anhelo de perfección en la línea, hizo que lentamente me alejara de esta disciplina. Tengo una deuda con la historieta y pienso saldarla dentro de poco, en colaboración con Diego Agrimbau, guionista de historietas, a quien conocí el año pasado y su obra me ha impactado gratamente."

Caruso manifiesta ser un lector de historietas, y sostiene que muchas han influenciado su trabajo: Hellboy de Mike Mignola, Dime Oscuro de Wagner y Kent Williams, Alack Sinner de Muñoz y Sampayo, además de la obra del viejo Breccia y la de Boucq. "Y últimamente me he encontrado con Quique Alcatena —comenta el dibujante—, quien con su dibujo y sabiduría ha guiado mi trabajo y espíritu." Y claro está, como a toda una generación de nuevos ilustradores argentinos, Carlos Nine es un maestro a seguir: "En la obra de Carlos Nine pude disfrutar y aprender de un oficio amado y un compromiso de otra época. A partir de él, me metí con más facilidad dentro de la plástica. Encontré muchas coincidencias entre artistas —nuevos para mí— que, a su vez, habían sido influencias en él, conociendo parte de la infinita cadena de correspondencias de espíritu entre los artistas de todas las épocas. Así me inicié en esto de la ilustración que, al comienzo fue narrar una historia —hacer aparecer esos personajes de la literatura y la imaginación— y hoy va hacia otros lenguajes más plásticos." "Este espíritu curioso y este amor al arte que se me ha dado —continúa Caruso—, es lo que me mueve a viajar por la obra de muchos pintores, grabadores, músicos y escritores, para compartir sus búsquedas y probar nuevos modos de encarar mi obra. Dentro de este panteón estan Goya, Klimt, Sorolla, Rembrandt, Velázquez, Doré, Durero, el movimiento pictórico simbolista, los manuscritos medievales, el tarot, y otras influencias aún más extrañas como Bach, Poe, Meyrink, Peterson, Ellington, Vaughan..."

Su vinculación con la ilustración para niños nació por una necesidad laboral: "Cierto día, en los clasificados pedían ilustradores infantiles, y con sólo dos días de plazo me puse a trabajar. Hablé con Capristo, y me recomendó tomar algún cuento clásico. Así realicé, "Alicia y la ceremonia del Té" y "Pinoccio", centrando la atención en los personajes (que es lo que mejor hacía) e insinuando los fondos. Nunca recibí respuesta de esa editorial pero, al entrar en la ADA, pude incluir en el catálogo de su primera exposición uno de los trabajos. Al verlo la jefa del Departamento de Arte de la editorial Puerto de Palos, me llamó para una prueba y terminé trabajando allí." En esta editorial, Caruso realizó ilustraciones para varios libros escolares: Antografía 7, La calesita 1, 2 y 3, Estudio de la Lengua 4, 5 y 6 y Manual Bonaerense 4, 5 y 6. Luego siguieron los trabajos realizados para los libros Mitos Clasificados 2 y El Sainete Criollo (ambos de Editorial Cántaro), Algo sobre mi madre (Todo sería demasiado) de Gabriela Acher, e ilustraciones para las revistas Cinemanía y La mujer de mi vida, entre otras.

Santiago Caruso fue distinguido por su arte con el Segundo Premio de Historieta en el Concurso "Jóvenes del Sur" (2001) y Primer Premio de Dibujo del "Salón Anual de Artes Plásticas" de la Asociación Amigos de las Bellas Artes en Museo Roverano (2003).

En la actualidad, Santiago Caruso es uno de los ilustradores más destacados de la revista Caras y Caretas, una publicación emblemática del periodismo argentino del Siglo XX que supo albergar a los grandes artistas del humor gráfico nacional, pilares de una profesión que no se agota. "Fue una gran sorpresa encontrarme con que esta publicación había reaparecido —comenta Caruso—. Cuando cursaba el tercer año de Secundaria, el tema asignado para una monografía fue: ‘La influencia de las corrientes inmigratorias en el periodismo argentino’, y ahí me encontré con publicaciones como El Mosquito y Caras y Caretas. Me volaron la cabeza estos ilustradores, su dedicación y buen gusto, su crítica mordaz y su pluma suelta y precisa. La revista era semanal, algo imposible de hacer hoy sin ese oficio excepcional, que se ha ido perdiendo en los ilustradores de hoy. Me entusiasmó la idea de poder trabajar en una revista adorada por mí y por muchos otros, y mandé una muestra de mis trabajos. A los dos meses recibí respuesta y un encargo. Trabajar allí me ha obligado a empaparme en el tema político, a estar actualizado para poder proponer ideas propias sobre los temas a ilustrar; aunque extraño muchísimo la ironía de la vieja época. No percibo eso en esta etapa. La gente y los intereses no son los mismos, pero disfruto del espacio y la libertad que de a poco voy ganando."

Al observar la obra de Caruso, prácticamente no quedan dudas de que es un digno heredero de sus antepasados Mayol, Cao, Álvarez y muchos otros maestros, cuyos trabajos montan guardia firme en las paredes del Museo de la Caricatura "Severo Vaccaro" de Buenos Aires.

Se pueden observar más obras de Santiago Caruso en su blog personal, caruso-art.blogspot.com, y en santiagocaruso.artistportfolio.net. Para contactarse con el artista, hay que escribir a santiagocaruso@hotmail.com.

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Así trabajo
por Santiago Caruso

En principio, el editor me pasa el tema o texto para ilustrar, más el espacio reservado para la ilustración. Si el texto es un cuento infantil, me resulta más sencillo y tomo alguna parte del mismo que me parezca que define la historia, y boceto en base a esto. Si es de época, busco documentación de vestimenta, utensilios, arquitectura; para luego buscar el personaje central, su forma, su postura dentro de la imagen que pensé, además de los personajes secundarios y los extras, como una película. En estos casos trabajo de un modo más anecdótico y narrativo. Pero si es sobre un tema específico, como por ejemplo: "El Amor a través de los tiempos", o "La influencia de los gobiernos militares en la sociedad", trato de pensar en símbolos. A veces, si tengo suerte, el tema se relaciona con algo que me interesa o estuve analizando, y quizás inmediatamente surge una imagen (borrosa) que trato de plasmar en algún boceto. Si esto no sucede, me siento a masticar el tema; pienso y estudio mientras miro el trabajo de otros pintores, que se acerquen al modo en que, creo, puedo encarar la imagen.

Esto me sugiere posibilidades sobre lo que ya se empieza a formar en mi mente. Hago muchos bocetos sueltos de personajes o elementos, que se parezcan a la sensación que generó en mí el tema. Después trato de ir ensamblando en dibujos posteriores estas realidades diversas. Sobre este dibujo final, hago otros explorando alternativas para graficar la idea, y luego me decido por uno. Lo fotocopio (ampliándolo) y le paso una barra de grafito por el reverso para pasarlo al soporte donde voy a pintarlo luego. Borro suavemente los excedentes de grafito y tomo un lápiz color acuarelable para armar el dibujo con luces. En este redibujar, trato de devolverle al dibujo la frescura perdida en la transferencia de la fotocopia al papel final. Después, el pincel hace el trabajo de "lavar" el color y ya genera un color base más la guía de formas y luces. En ese momento comienzo a pintar con la acuarela. En la mayoría de los casos modifico cosas mientras pinto, agrego personajes y tapo otras cosas.

Una vez "terminado", saco el trabajo de la tabla donde estaba pegado, lo escaneo y lo preparo para imprimir con el Photoshop. El scanner traduce del color pintado al sistema de color del monitor (rgb). Por este motivo uno debe regular los colores del documento Photoshop, para que luego pueda imprimirse lo más parecido al original. Este documento, listo para imprimir, se lo envío por mail o vía messenger al editor. Y ahí uno se siente liberado y descansa la cabeza.

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